브레이크뉴스 노보림 기자= 작품은 작가를 닮는다는 말이 있다. 어찌 보면 창작자의 생각이나 작업 환경은 그대로 작품에 투영될 수밖에 없다. 때문에 작품을 들여다보기 이전에, 작가를 먼저 들여다보면 그 작품을 보다 잘 이해할 수 있다. 이에 브레이크뉴스는 국내 작가들과의 릴레이 인터뷰를 통해 작가의 작품은 물론, 삶의 이야기를 들어보는 시간을 가지려고 한다. <편집자 주>
-작품을 그릴 때 주로 어디에서 영감을 받나?
현실과 상상의 경계가 모호한 공간에 관심이 많다. 강렬한 색감과 비현실적인 분위기가 꿈과 현실의 어느 지점에 놓이게 되고, 자연이 주는 평화로움과 인간의 욕망이 조화롭게 공존하는 이상세계를 꿈꾼다. 그 특정한 공간을 구성하기 위해 과거의 기억이 남긴 흔적, 오래된 감정들의 잔상, 그리고 무의식 속에 형성된 이미지들을 섞어서 나만의 숲의 이미지를 만든다. ‘My own forest’는 기억과 감정이 얽힌 하나의 심리적 풍경인 셈이다.
색채에도 관심이 많아 현실과 이상이 교차하는 공간을 표현하기 위해 대비되는 색채를 사용하여 감정의 이중성을 강조하고 있다. 따뜻한 주황과 차가운 푸른빛이 공존하는 공간, 강렬한 붉은색과 안정감을 주는 초록색의 대비, 이와 같이 보색을 한 공간에 담아서 설렘과 불안, 친숙함과 낯섦이 교차하는 심리적 상태를 표현한다. 나에게 있어서 색채는 단순한 미적 요소를 넘어 현실 속에서 개인이 겪는 혼란과 성장 같은 감정의 층위를 드러내는 역할을 한다.
-독자들에게 자신의 작품 2~3점을 소개해 달라.
 ▲ My own forest 91×116.8 acrylic on canvas 2025. 김양미. © 브레이크뉴스 |
 ▲ My own forest 91×116.8 acrylic on canvas 2025. 김양미. © 브레이크뉴스 |
두 작품은 현실과 이상이 공존하는 헤테로토피아적 공간을 시각화한 작업이다.
언뜻 보면 창문과 옷장이 보이는 실내 공간 같기도 하고, 자연과 동물이 공존하는 숲처럼 보이기도 한다. 화려한 색감과 달리 생략된 아이들의 표정은 여러 기억과 감정의 층위를 보여준다. 하지만 인물들은 그 배경에서 명확히 분리되지 않고 서로 스며드는 듯하다.
숨은그림찾기처럼 보일 듯 보이지 않는 여러 요소를 통해 숨겨진 기억과 감정, 욕망 등을 표현해 보았다. 이곳에서 우리는 익숙하면서도 낯선 감각을 마주하게 되고, 그 안에서 각자의 이야기를 발견하게 된다.
-왜 작가로서의 삶을 선택했나?
대학에서 도예를 전공하면서 작업에 대한 열망이 있었지만, 삶의 흐름 속에서 잠시 멀어지게 되었다. 결혼을 하고 아이를 키우며 다른 역할에 집중했던 시간도 소중했지만, 어느 순간 내 안에 남아 있는 강한 창작의 욕구를 다시 마주하게 되었다. 그래서 늦은 나이에 다시 대학원에서 회화를 전공하며 본격적으로 작가의 길을 걷게 되었다.
작업을 하면서 깨달은 것은 내 그림이 단순한 표현의 도구가 아니라, 제 삶을 돌아보고 치유하는 과정이라는 점이다. 살아오면서 마주했던 크고 작은 트라우마들이 내 안에 쌓여 있었는데, 그림을 그릴 때마다 그것들을 풀어내고 스스로 이해하는 시간이 되는 것 같다. 결국, 작가로서의 길은 내가 삶을 살아가는 방식이자 내 자신을 찾아가는 과정이다.
-작가로 활동하며 가장 힘들었던 순간이 있다면 언제였나?
내가 이야기하고 싶은 주제나 표현하고 싶은 이미지가 머릿속에 분명히 있는데도 그것을 온전히 풀어내지 못할 때이다. 생각과 표현 사이의 간극을 좁혀가는 과정이 때로는 답답하고 고통스럽지만, 결국 그 과정을 통해 작품이 더 깊어지는 것 같다.
또한, 늦은 나이에 신진 작가로 활동하면서 사회적 제약을 마주할 때도 있다. 예를 들면, 공모전이나 지원 프로그램에서 나이 제한 때문에 도전조차 해볼 수 없는 경우도 있고, 경력상 신진 작가이지만 연령적으로 중견 작가에 가까워 어느 쪽에도 속하지 못하는 애매한 위치에 놓이기도 한다. 하지만 이런 현실적인 어려움은 계속 작업을 이어가다 보면 극복 가능하다고 생각한다. 외부의 기준보다 내가 나의 작업에 집중하는 일이 더 중요하다고 생각한다.
-반대로 가장 행복했던 순간은?
내 그림을 누군가가 공감해 줄 때이다. 나의 개인적인 경험과 감정에서 출발하지만, 그것이 관객에게 닿아 그들의 기억과 감정으로 확장되고, 누군가에게도 위로가 될 수 있다는 순간이 행복하다.
-앞으로의 전시 계획은?
지난해 나의 회화 작업을 확장하여 도자 작업을 시작했다. 오감을 통해 흙을 만지는 과정은 굉장한 희열을 준다. 캔버스라는 평면에서 벗어나 흙이라는 또 다른 매체를 통해 나의 이야기를 입체적으로 풀어내는 것도 매력적인 일이라 생각한다.
앞으로는 회화 작업의 공간성을 좀 더 확장시키고, 작업 속 내러티브를 재미있게 구성해 보려고 한다. 그리고 대중들에게 적극적으로 나의 작품을 공개할 기회를 많이 가질 계획이다.
 ▲ 김양미 작가 작품이 전시되고 있다. 사진 제공= 하랑갤러리 © 브레이크뉴스 |
주요 약력
학력
1996 홍익대학교 미술대학교 도예과 학사
2022 홍익대학교 미술대학원 회화과 석사
개인전
2024 깨어난 꿈, 깊은여정 (아트플러스)
2024 A few days later 세번째 이야기 (공구싸롱)
2023 A few days later 두번째 이야기 (더플럭스)
2023 A few days later (아트스페이스 이색)
2015 침묵'silence' (안나 갤러리)
2014 침묵'silence' 뉴욕 첼시 (fine art gallery in N.Y)
2011 개인 부스전 (독일 Kaarst City gallery)
그룹전
2024 Alfred University Ceramic Workshop 프로그램 수료
2024 The Art Guild 그룹전 (Long island in N.Y)
2023 소리소문전 (스페이스 다온)
2023 사유의 방 (바움 아트스페이스)
2023 "끼"(charm) (안젤리 미술관 )
2022 소리소문전 (스페이스 다온)
2022 N.A.H 창립전 (바움 아트스페이스)
2022 공감, 엑티브사이트 (고양 아람누리 갤러리누리)
2021 크리스마스 예술을 품다 (스페이스 다온)
2021 홍익대학교 미술대학원 석사청구전 (홍익대학교 문헌관)
2018 트라이앵글 전 (갤러리 인)
2018 도작가전 홍대 도예, 유리과 동문전 (이앙 갤러리)
2011 Korea, Philipines, Germany, Japan Fine Art Festival
(Philippine manila national museum of contemporary art)
2010 한국 구상회화의 위상전 (인사동)
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
Artist Kim Yang-mi draws a space where free imagination intersects at the boundary between reality and ideals
Where do you mainly get inspiration when drawing your works?
I am interested in spaces where the boundary between reality and imagination is ambiguous. I dream of an ideal world where intense colors and unrealistic atmospheres are placed somewhere between dreams and reality, and where the peace that nature gives and human desires coexist in harmony. To create that specific space, I mix traces of past memories, afterimages of old emotions, and images formed in the subconscious to create my own forest image. ‘My own forest’ is a psychological landscape where memories and emotions are intertwined.
I am also interested in colors, so I use contrasting colors to express a space where reality and ideals intersect, emphasizing the duality of emotions. I express psychological states where excitement and anxiety, familiarity and unfamiliarity intersect by putting complementary colors in a space, such as a space where warm orange and cold blue coexist, and a contrast between intense red and stable green. For me, colors go beyond a simple aesthetic element and play a role in revealing the layers of emotions that individuals experience in reality, such as confusion and growth.
Please introduce 2-3 of your works to the readers.
The two works visualize a heterotopian space where reality and ideals coexist.
At first glance, it looks like an indoor space with windows and a closet, or a forest where nature and animals coexist. Unlike the colorful colors, the omitted expressions of the children show various layers of memories and emotions. However, the characters are not clearly separated from the background, but seem to permeate each other.
I tried to express hidden memories, emotions, and desires through various elements that seem to be hidden pictures. Here, we encounter familiar yet unfamiliar sensations, and discover each other’s stories within them.
Why did you choose to live as an artist?
I majored in ceramics in college and had a passion for art, but I temporarily drifted away from it as life went on. The time I spent focusing on other roles after getting married and raising children was precious, but at some point, I encountered the strong desire to create that remained within me again. That’s why I majored in painting in graduate school at a late age and began my journey as an artist in earnest.
What I realized while working is that my paintings are not simply a tool of expression, but a process of looking back on my life and healing. The traumas I have encountered throughout my life, big and small, have piled up inside me, and every time I draw, I feel like I can release them and understand them myself. Ultimately, my path as an artist is the way I live my life and the process of finding myself.
When was the most difficult moment while working as an artist?
It is when I clearly have a topic I want to talk about or an image I want to express in my head, but I cannot fully express it. The process of narrowing the gap between thoughts and expressions is sometimes frustrating and painful, but ultimately, I think my work becomes deeper through that process.
In addition, there are times when I face social restrictions as a new artist at a late age. For example, there are times when I cannot even try out contests or support programs because of the age limit, and there are times when I am a new artist in terms of my career, but am close to a mid-career artist in terms of age, so I am in an ambiguous position where I cannot belong to either group. However, I think that these realistic difficulties can be overcome if I continue to work. I think that it is more important for me to focus on my work rather than on external standards.
On the other hand, what was the happiest moment?
When someone sympathizes with my paintings. It starts from my personal experiences and emotions, but it reaches the audience and expands into their memories and emotions, and it can be a comfort to someone. That’s when I’m happy.
What are your future exhibition plans?
Last year, I expanded my painting work and started working on ceramics. The process of touching clay with my five senses gives me great joy. I think it’s also attractive to go beyond the flat surface of the canvas and tell my story in three dimensions through another medium called clay.
In the future, I plan to expand the spatiality of my paintings and try to organize the narratives in my work in an interesting way. And I plan to have many opportunities to actively present my work to the public.